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Die Folie abzuziehen, langsam die Klebefalte der Verpackung öffnen und das schwarze Vinyl aus dieser herausziehen. Dieses Gefühl ist mittlerweile in der Masse selten geworden. Denn wer von seinen musikalischen Lieblingen mehr hören und die neusten Songs schon eher haben will, begibt sich auf die virtuelle Ebene und zieht sich dort die Songs herunter – ob nun illegal oder legal sei erst einmal dahin gestellt. Jedoch ist es für die vielen Plattenläden, die es noch vor ein paar Jahren eigentlich überall gab, weit mehr als ein Gefühl, eine Schallplattenverpackung zu öffnen. Es ist ihre Existenz. 

Wer sich in die walisische Hauptstadt begibt, kann bisweilen noch das Gefühl erleben: >>Spillers Records<<, steht in schwarzen, 80er Jahre-Buchstaben über dem Eingang. im Schaufenster liegen Unikate aus der mehr als hundert Jahre alten Firmengeschichte. Der Laden ist typisch für die englische Szene. Ein altes viktorianisches Haus. Marode für deutsche Verhältnisse. Doch hier ist es eben so. So unscheinbar er für englische Straßenzüge auch aussieht, verbirgt sich darin doch der älteste Plattenladen der Welt. 1894 wurde er eröffnet. 

Doch auch Spillers Records musste in den letzten Jahren einen Kampf gegen das Internet führen. Einen Kampf, den sie eigentlich nur verlieren können. Hier im Netz gibt es weitaus mehr als Spillers Records und die vielen anderen Vinyl-Läden zu bieten haben. Millionen von Songs, Millionen von Alben, Millionen an Künstlern. Doch es ist eben dieses Gefühl, wieso es diese Läden immer noch gibt. Kunst ist individuell. Eine Platte hat dieses Altertümliche, dieses “Es gehört mir ganz allein!”-Gefühl. Es sind vor allem Stammkunden, die immer wieder in Spillers Records gehen und die so die Musik am Laufen halten. Wenn es sie nicht gebe, würde die Musik sicher weiterlaufen, aber das Licht bei Spillers Records, dem ältesten Plattenladen der Welt, würde ausgehen.

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Das Unternehmen “Bestseller” kommt aus Dänemark und ist ein Textileinzelhandelsunternehmen. Die Firma gehört zu den größten europäischen Bekleidungsunternehmen und besteht zur Zeit aus zehn Marken. Gegründet wurde es 1975 von Troel Holch Povlsen. Zunächst lag der Schwerpunkt des Unternehmens auf Damenmode, doch bereits 1986 folgte Kinderbekleidung und im Jahr 1988 schließlich auch Herrenmode. Zur Zeit beschäftigt das Unternehmen 41.000 Mitarbeiter in über 43 Ländern. Eine der bekanntesten und beliebtesten Marken ist “Jack & Jones”.

Seit dem Ende der 1990er Jahre expandiert das Unternehmen auch nach China. Hier gibt es die Marke “Jack & Jones” seit März 2000, die dort in über 1590 Geschäften vertrieben wird. Damit ist die Marke für das Unternehmen in China der wichtigste Umsatzbringer.

Die Marke “Jack & Jones” selbst wurde 1989 gegründet und erfreut sich großer Beliebtheit. Die unterschiedlichen Design sprechen verschiedene Zielgruppen an. Die Kollektionen reichen von lässigen Jeans für die jüngeren Herren von Jeans Intelligence über die Vintage-Kollektion, die sich besonders bei dem Mittelstand erfreut, bis hin zur Premium-Ausführung. Beliebt insbesondere auch bei männlichen Konsumenten sind die klassisch designten Shorts der Produktlinie “Premium”. Diese verzeichnen einen besonders hohen Absatz. Gestreifte T-Shirts in Kombination mit Shorts wecken den Jungen in jedem Mann und lassen ihn dabei dennoch nicht zu kindlich aussehen, sondern zeitgemäß. Die Qualität des Materials ist einwandfrei und trotzdem sind die Klamotten von “Jack & Jones” erschwinglich und dadurch massentauglich. Eine Modelinie ganz nach dem Geschmack unserer heutigen Zeit.

Aber auch Frauen kommen beim Unternehmen “Bestseller” voll auf ihre Kosten – mit der Produktlinie Vero Moda. Schicke Kleider bestechen durch zeitloses Design und schlichte Eleganz. Die Farbpalette reicht von knalligem Grün bis hin zu charmantem Marineblau.

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Der ungarische Regisseur Béla Tarr ist mit einem neuen Film zurück: „Das Turiner Pferd“ ist allerdings keine leichte Kost. Die Geschichte ist schnell erzählt – es gibt nämlich keine, jedenfalls im herkömmlichen Sinne. Zweieinhalb Stunden bekommt der mutige Zuschauer Bilder in Schwarz und Weiß vorgesetzt, immer wieder dieselben Einstellungen. Man lernt den Kutscher Ohlsdorfer kennen, der mit seiner Tochter in irgendeiner verlassenen Hütte lebt, Ende des neunzehnten Jahrhunderts. Ohlsdorfer, gespielt von János Derzsi, quält sich mit seinem Pferd bei Wind und Wetter nach Hause, seine Tochter, gespielt von Erika Bók, muss ihm beim Auskleiden helfen, weil sein Arm gelähmt ist. Es gibt heiße Kartoffeln, der Vater verbrennt sich seine Finger, dann ist schon Schlafenszeit. Am Morgen brechen beide auf.

Diese langweilige Prozedur wiederholt sich sechs Mal. Eigentlich auch noch ein siebtes Mal, aber da ist immerhin alles anders. Er ist das Ende des Films – und über ihn soll man schweigen. Die Welt ist untergegangen, es gibt sie nicht mehr. Die Frage ist jetzt nur: Ist „Das Turiner Pferd“ ein ausgefuchster Kunstfilm über die Langsamkeit und Monotonie, denn nicht umsonst nennt man den Ungarn Tarr einen „Ästheten der Langsamkeit“ ? Oder handelt es sich um einen verzweifelten Versuch, mit starren Bildern und ewigen Wiederholungen einen Plan einzufangen, der nicht aufgeht?

Diese Frage muss wohl jeder Zuschauer für sich selbst beantworten. Wer jedenfalls an Hollywood gewöhnt ist, für den werden die zweieinhalb Stunden wirklich zum Schock: Keinerlei Erklärungen oder Trost, alles wird immer nur noch finsterer und aussichtsloser. Eine Hommage an die Sinnlosigkeit, die zugleich langweilt und doch irgendwie auch fesselt. Ein wenig erinnert „Das Turiner Pferd“ an von Triers „Melancholia“: Beide spielen ein Weltuntergangs-Szenario durch, üben harsche Kritik am menschlichen Zusammenleben. Während jedoch bei „Melancholia“ zumindest manche Erklärungen und Hinweise geliefert werden, lässt Tarr seine Zuschauer ganz alleine mit ihren Fragen zurück.

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Wie kommen auf einer großen Veranstaltung mit rotem Teppich eigentlich die Stars zum Schauplatz des Geschehens? Richtig, mit einem der Fahrzeuge aus der riesigen Flotte, die der offzielle Sponsor zur Verfügung stellt. Für die diesjährige Berlinale war der Autobauer BMW zuständig.

Modelle wie der legendäre Land Rover Discovery oder der VW Phaeton sind oder waren auf Großevents stets gern gesehene Werbeträger. Nichts liebt die Autoindustrie so sehr wie die Präsentation neuer Fahrzeugmodelle auf Filmfestivals oder während großer Sportveranstaltungen. Die medialen Großereignisse, die unzählige Sender im Fernsehen übertragen, sind ein optimales Pflaster fürs geschicktes product placement. Und so schimmerten und glänzten die neuen Limousinen der Oberklasse, als sie an den Teppich rollten.

Der bayerische Autokonzern, der nicht nur auf der Berlinale vertreten, sondern auch auf Events wie dem Teddy Award zu bewundern ist, hat sich neben der bloßen Präsenz am roten Teppich aber auch noch etwas anderes ausgedacht. Neben den neuen Luxuslimousinen werden auch wieder auffällige Classic Cars zu bewundern sein, unter anderem das BMW 326 Cabriolet aus dem Jahr 1936, die BMW 501 Isar 12 aus dem Jahr 1960 oder ein klassischer Rolls Royce.

Die Rolle als Sponsor nutzt BMW auch für eine eigene Lounge, der sogenannten BMW Golden Bear Lounge inmitten des Pressezentrums. Dort können sich Regisseure, Schauspieler, Jounalisten und Festivalgäste treffen. In Kooperation mit der Deutschen Filmakademie fand an diesem Ort auch die Veranstaltung Film Talks statt, moderiert von Florian Gallenberger.

Die luxuriöse Veranstaltung hatten eine ganze Riege von ebenso hochklassigen Sponsoren, und so wird es auch im nächsten Jahr sein, damit gewährleistet wird, dass die Veranstaltung genauso prunkvoll wie in den letzten Jahren bleibt.

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Auf der diesjährigen Berlinale braucht man nicht lange nach starken Frauenfiguren zu suchen: Ausgerechnet auf ein- und demselben Stuhl nahmen zunächst die deutsche Schauspielerin Nina Hoss und danach der US-amerikanische Star Aneglina Jolie Platz. Ein interessanter Zufall – oder wurde da etwa nachgeholfen? Denn wie kaum jemand anderes verkörpern die beiden Frauen Mut, Zivilcourage und Aufgeklärtheit.

Nina Hoss drehte zum wiederholten Male mit dem Regisseur Christian Petzold. Das Beziehungsdrama “Barbara” dreht sich rund um eine Ärztin, gespielt von Hoss, die dank einem gescheiterten Ausreiseantrag im Jahre 1980 von Ost-Berlin in die Provinz versetzt wird. Dort trifft sie den Oberarzt André, der ebenfalls systematisch von der Stasi kleingehalten und gemobbt wird. Barbara ist hin und her gerissen zwischen den Annäherungsversuchen von André und ihrem eigentlichen Freund in West-Deutschland, der sie mit Geschenken versorgt, Fluchtpläne schmiedet und am Ende gar selbst in den Osten kommen will. Der Film erntete jedenfalls viel Applaus – ein weiterer Beweis für die fruchtbare Zusammenarbeit von Petzold und Hoss.

Dann nahm Angelina Jolie Platz – auch ihr neuer Film nimmt sich nicht gerade einem einfachen Thema an. Übrigens handelt es sich um das Regie-Debüt Jolies, auch das komplette Drehbuch entstammt ihrer Feder. Das Drama “In the Land of Blood and Honey” spielt 1992, kurz vor Beginn des Balkan-Krieges. Jolie verkörpert eine bosnische Muslima, die Malerin ist. Ihr Ehemann, ein serbischer Christ, ist für die Polizei tätig. Trotz eines starken Bands der Liebe und des Vertrauens zwischen ihnen wird ihre Beziehung durch den Krieg und ihre unterschiedlichen ethnischen und religiösen Bindungen auf eine harte und lebensgefährliche Probe gestellt. Dabei scheut sich Jolie nicht vor dem Darstellen von Gewalt: Menschen werden vor der Kamera gequält, erschossen, vergewaltigt und in Massengräbern zerstampft. Doch Jolie wollte auch einen schweren Film machen, der noch lange im Zuschauer nachwirkt. Der mäßige Erfolg des Films in US-Amerika lässt einen jedoch daran zweifeln, wie gut ihr Konzept am Ende wirklich aufgeht.

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Christian Ulmen ist als “Jonas”, geschminkt und mit geglätteten Haaren, um auszusehen wie ein echter 18jähriger, wieder in die Schule gegangen und hat natürlich einen Film darüber gedreht. Eltern, Lehrer und Schüler waren eingeweiht, dass hinter dem neuen Mitschüler für sechs Wochen der eigentlich schon 36 Jahre alte Ulmen steckt. Die Fake-Doku “Jonas” wurde an der Paul Dessau Gesamtschule in Brandenburg gedreht und kam letzten Donnerstag in die Kinos. 

Ulmen, der damals in “Mein neuer Freund” Kandidaten mit seinen Charakteren zur Verzweiflung trieb, arbeitete für sein neuestes Projekt mit demselben Regisseur zusammen: Robert Wilde. Leider klappt das Konzept des Aus-der-Reserve-Lockens bei “Jonas” nicht mehr so gut wie damals, obwohl auch hier keine der Szenen gestellt war. Ulmen legt Jonas nicht radikal genug an, um Lehrer, Schüler oder das System zu entlarven. Ausserdem drückt er sich durch das konsequente Rollenspiel vor der Frage: Wie ist es für einen Erwachsenen, noch mal zur Schule zu gehen? Aber vielleicht ist das auch schon eine Art Antwort: Das schafft man nur verkleidet. 

“Jonas” klappt am besten in den Momenten, wo sich der Film von der Hauptfigur entfernt und Einblicke in den Alltag der Schüler gibt. Eine Diskussion mit dem Chemielehrer zum Beispiel zeigt, unter welchem Druck die Jugendlichen stehen. Es gilt die Devise: Nach der Schule sofort Arbeit finden, sonst Hartz-IV.  

Der Direktor der Schule erklärt, warum Jonas mit seinen dreisten Aktionen durchkommt: “Das waren halt kalkulierte Provokationen.” Er habe Ulmen gesagt, wenn er den Bogen überspanne, würde er seine Eltern zum Gespräch einbestellen. Die Schüler hätten ihren neuen Gefährten auch gut aufgenommen: “Die haben ihn schnell integriert, am Ende gab’s Abschiedstränen.”

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In den Südstaaten der Vereinigten Staaten geht 1963 die Bürgerrechtsbewegung um. Es droht das Szenario, dass sie sich auf das ganze Land ausbreitet. Es geht um die deutlichen Unterschiede zwischen Weißen und Schwarzen, besonders die sozialen Unterschiede. Genau dieses Problem greift der Film “The Help” auf und benutzt für sich als Rahmen die Geschichte einer 23-jährigen weißen Jung-Journalistin Skeeter.

In Jackson spielt die Geschichte auch den passenden Ort. Skeeter bekommt in einer Lokalzeitung eine Haushaltskolumne. Sie muss die Haushaltstipps aufgreifen und sucht nach passenden Ideen für ihre Artikel in der Kolumne. Zur Recherche fährt sie zu der Planatage ihrer Eltern und hofft, auf ihre ehemalige Nanny zu treffen. Allerdings arbeitet diese schon längst nicht mehr dort und ist verschwunden. Durch ihre Freundinnen, die der High Society angehören, lernt Skeeter andere Haushälterinnen kennen. Sie sind ebenfalls schwarz und arbeiten unter miserablen Bedingungen. Sie erfährt die Geschichte einer jungen Haushälterin. Deren Mutter war bereits Nanny, ihre Oma Haussklavin.

An den Strukturen und Differenzen zwischen weißen und schwarzen Menschen hat sich in Amerika über viele Jahre nichts geändert. Immer noch werden die schwarzen Menschen wie Sklaven behandelt – nur, dass sie sehr schlecht für ihre Arbeit entlohnt werden. Es läuft immer wieder nach dem gleichen Muster: Die Weißen haben das Geld, die schwarzen übernehmen Hilfsarbeiten.

Der Film wurde 2011 in den Vereinigten Staaten sehr stark diskutiert. Oft kritisierte man die Perspektive, aus der die Geschichte erzählt wird. Die nämlich beeinhaltet eigentlich nur die Sichtweise, welche Privilegien den Weißen zu stehen und welche den Schwarzen wiederum nicht. “The Help” hat so vielleicht Hollywood-Charakter, politisch gesehen bleibt er im Ansatz stecken.

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Die Occupy-Bewegung scheint zur Zeit überall (kontroverses) Gesprächsthema zu sein. Der Comic-Kultautor Frank Miller,  Schöpfer beispielsweise von “Sin City”, hat sich jetzt auch öffentlich positioniert – gegen die Bewegung. Auf seinem Blog wetterte er gegen die Protestler_innen: Sie seien eine Gruppe von Rüpeln, Vergewaltigern, Dieben und noltalgischen Hippies. Der Comic-Zeichner war noch nie für Political Correctness bekannt, allerdings waren seine Äußerungen selten so radikal und direkt beleidigend. Die Bewegung sei kein Volksaufstand, sondern Müll und ein schlechter Anarchie-Versuch beziehungsweise ein hässliches Mode-Statement. Weiter empfiehlt er den Babies, wie er die Protestler_innen nennt, besser zum Militär zu gehen und sich sinnvoll für die Gesellschaft einzusetzen. Vorzugsweise gegen die wahre Gefahr, die seiner Meinung nach, der islamistische Terror sei, mit dem sich Amerika im Krieg befände. Dieser skrupellose Feind Amerikas lache sich über die Bewegung nur ins Fäustchen, so Miller.

Dieser Eintrag hat den sonst beliebten Comic-Autor auf einen Schlag um viele Fans erleichtert. Prompt wurde er auf seinem Blog von empörten Fans in rund 6500 Kommentaren beantwort. Darunter finden sich Ausdrücke der Enttäuschung, viele Gegenbeschimpfungen und sogar einige Aufrufe, seine Comics zu verbrennen. Andere versuchen zu beruhigen und zu fragen, ob es nicht doch ein Scherz des Autors gewesen sein könnte, der schließlich für seinen morbiden Humor bekannt sei. Bis auf Weiteres hat Frank Miller allerdings weite Teile der Öffentlichkeit und seiner Fans gegen sich aufgebracht und die Occupy Bewegung ist in den Zuccotti Park zurück gekehrt.

Trotzdem ist L.A. nach wie vor mit Abstand der wichtigste Standort für das US-amerikanische Fernsehen und Kino: Insgesamt 87 Probesendungen wurden in der vergangenen Saison produziert, in New York hingegen nur 17. Doch wenn man nur den Wachstum betrachtet, gewinnt New York phänomenale 240 Prozent dazu, während L.A. auf lediglich 14 Prozent Zuwachs kommt. Hauptgrund dafür könnte die kürzliche Entscheidung der Stadt New York sein, ihren Steuerkredit von 30 Prozent bis ins Jahr 2014 zu verlängern.

Wer in New York drehen möchte, kommt am Mayor’s Office of Film, Theatre & Broadcasting nicht vorbei. Diese Behörde des Bürgermeisters der Weltmetropole erteilt Erlaubnisse, berät Film- und Fernsehproduktionen und sorgt auch für Polizeischutz während der Dreharbeiten. Wie passend, dass diese Behörde genau um die Ecke der berühmten US-amerikanischen Talkshow “Late Show with David Letterman” liegt.

Eine typische Fernsehsendung beschäftigt bis zu 1.000 Aushilfskräfte und hunderte von kreativen Köpfen, dabei werden auch viele der rund 4.000 Beraterfirmen vor Ort eingesponnen. Die lokale Film- und Fernsehproduktion ist in New York also selbstverständlich schon lange ein wichtiger Wirtschaftsfaktor. Und das ist natürlich auch ein gutes Geschäft für die Hotels in New York. Alleine 200 Filme und 23 Sitcoms wurden hier im letzten Jahr gedreht – klar, dass der ein oder andere sich vor Ort ein Bild von seiner Lieblingssendung und den echten New Yorker Lebensumständen machen möchte.

So weiß auch jeder Deutsche um die Besonderheit von Altkanzler Schmidt. So ist er neben seiner immer noch sehr präsenten Geistesschärfe gerade auch in Bezug auf die aktuelle Politik vor allem für seinen Glimmstängel berühmt. So rauchte er in der Sendung eine Zigarette nach der anderen weg und sinnierte nebenbei über das aktuelle Politgeschehen und Krisen wie etwa die in Griechenland. Doch was ist daran jetzt so speziell bzw. besonders?

Das deutsche Fernsehen ist schon eine sehr lange Zeit eine rauchfreie Zone was Talkshow und so angeht. Jedoch stellt Schmidt das Rauchen als Bedingung um überhaupt in die Show zu kommen. Somit ist er wirklich ein Individuum was diesen Bereich angeht, da man es keinem anderen Promi oder Politiker zugestehen würde. Immerhin raucht Schmidt seitdem er 14 Jahre alt war und ist nun 92, hat also im Umkehrschluss schon seit 78 Jahren immer die Zigarette dabei. Auf die Frage von Jauch, wie man in solch einem hohen Alter noch so fit bleiben kann, antworte Schmidt, dass man zum einen immer arbeiten muss und außerdem immer Zigaretten dabei haben sollte.

Zum Schluss witzelte Steinbrück noch, dass die Ärzte von Schmidt sagen, dass sich sein Organismus so an die Zigaretten gewöhnt hätte, sodass dieser ohne das Rauchen zusammenbrechen würde. Ansonsten blieb Steinbrück eher ruhig und blass, sodass man das Gefühl hatte Jauch und Schmidt würden über einen kleinen Jungen reden.